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Arte Usable, toda la magia de la Serigrafía 3D desde Chile al mundo

Entrevista Arte Usable 28.01.2019 WalkingStgo 40

Entrevista por Constanza Bustos Sánchez / Fotos por Miguel Inostroza Godoy

Su nombre es Arte Usable, ¿Por qué arte usable? ¿Qué objetivos persiguen?

Paula: Pasaron varias cosas con el nombre. Con Ignacio antes de ser Arte Usable empezamos hace doce años atrás a juntarnos porque el venía llegando de San Pedro de Atacama y necesitaba aprender serigrafía y yo necesitaba aprender Phothoshop. Ignacio es director de arte publicitario, entonces empezamos a hacer un trueque con nuestros conocimientos. Èl se iba a Nueva Zelanda pero nos enamoramos y nos fuimos los dos. Allá viajando, estuvimos en una residencia de arte en donde nos hablaban de que nuestro trabajo, sobre todo el mío por los textiles, y lo llamaban wear art. El arte de ponerselo. Pero ese nombre nos quedaba chico, no solo somos un arte de poner o vestir, sino también hacemos obras de arte, productos, vestuarios, sillones entre otras cosas. Entonces no calzaba del todo. Al llegar a Chile, la traducción que utilizamos fue Arte Usable.

Entonces finalmente era un concepto más amplio que reciclable o “ponible”

Ignacio: Ellos lo usaban mucho para moda, pero esto se escapa un poco. La palabra quedaba corta. Usable quedó. Este concepto calzaba más.
Paula: En mi caso, mi tesis hablaba de eso. De que hasta que punto el arte no podía utilizarse y porqué dejaba de ser arte cuando se utilizaba. Yo no entendía porque la gente mayor pensaba así. Me hablaban de artes menores, como el arte que se utiliza. Pero yo siempre fui en contra de eso y si vamos a los artistas popart, el arte sí es utilizable. Un guiño a eso. Así empezó este juego de palabras.

Ustedes son una plataforma creativa de arte y diseño. Además de esto, desarrollan un cruce entre el arte y la tecnología. ¿Cómo lograron llegar a este vínculo y qué herramientas visuales utilizan para realizarlo?

Ignacio: La plataforma creativa es porque con los años nos hemos ido relacionando con distintos tipos de disciplinas, por ejemplo diseño gráfico, fotografía, diseño de vestuario, entre otros. Es un poco más amplio que arte y un poco más amplio que diseño, entonces nos consideramos una plataforma creativa por eso. No necesariamente nos regimos a un tipo de arte o diseño si no que vamos creciendo. Esta plataforma es como una herramienta y una forma de meterse un poco al sistema. Yo soy diseñador y director de arte, la Paula hacía vestuario entonces nos fuimos ampliando al lado del diseño. A veces hacemos carátulas de disco que también están más ligadas al diseño gráfico. La plataforma nos permitía ser más amplios.

Paula: Como plataforma también muchas veces hemos ayudado a otras personas, a otros proyectos. Entregamos herramientas, o subimos contenido de otras personas. Como que en ese sentido a Arte Usable también lo pensamos como una forma de integrarnos al sistema, sin que nosotros como artistas vendiéramos nuestro arte. Nosotros a través de este proyecto podemos generar recursos haciendo clases, potenciando contenido de otras personas para poder hacer nuestro arte libremente. Fue nuestra forma. Plataforma en ese sentido, pensar en más gente. Por ejemplo llegan músicos donde quieren que mi arte este en su carátula y así con Ignacio podemos hacer la carátula, la página web, etc.

Ignacio: Nos aseguramos que lo que entregamos este siempre alineado. Porque a veces cuando pasa por otro diseñador se altera la estética, la idea. Nos aseguramos que quede una propuesta personal. En el caso de la música el trabajo es colaborativo.

Paula: La tecnología fue bien orgánico. Partí trabajando con iluminación y siempre pensé en ver mi obra en holograma pero pensaba que con la serigrafía nunca lo iba a lograr. Fueron tres años full neón, experimentando con la iluminación a través de efectos ópticos y cuando empezamos a ser dupla, el Nacho llegó con unos lentes 3D desde una fiesta. Universos 3D, que las hacía un amigo, el Gollo y él vio estos lentes. Un tipo de 3D que funciona a través de los colores y él dijo “La obra de la Pau se va a ver 3D”. Llegó a la casa con estos lentes y todas las obras se veían 3D. Fue más loco aún, porque mi hermano que vive en Francia, que también es audiovisual y hace 3D, me explicó porque funcionaba el 3D. Justo ese año tuve que participar en una expo en la Perrera y ahí presenté mi primer cuadro 3D. Que es una mujer volando. Paraíso 3D se llama y sale una mujer volando en la naturaleza, es muy especial. Después empezamos a trabajar juntos con el Nacho. Empezamos a especializarnos en obra, trabajamos juntos el concepto y empezamos a meter la iluminación RGB con controlador. Ya no era flúor, ya no era neón, sino RGB. Nuestro fin constante era que la gente viviera una experiencia, que las obras tuvieran movimiento.

En los 20 años de la sala SCD de Bellavista hicimos una exposición bien grande que se llamaba Movimientos Sonoros 3D y forramos la sala. Cuando fuimos a montar fuimos a poner nuestros focos neón y resulta que el chico que estaba en la iluminación nos dice “oye pero estos focos funcionan” y nos pone toda la iluminación y la obra se empieza a moverse al ritmo de la música. Ahí se nos abrió todo un umbral de nuevas posibilidades.

Ignacio: En algunos años fueron apareciendo nuevos elementos. A veces eran más azarosos, otros más estudiados. Después de esa experiencia decidimos que queríamos manejar la iluminación y nos conseguimos un controlador de luces para poder darle el color que nosotros quisieramos a las luces con la obra. Lo que provoca reacciones en la pintura. Después de algunos años estabamos viendo un paisaje de un lago despejado y estamos tranquilos viendo y pensamos en cómo transmitir esa sensación de calma en una obra. Queríamos una obra inmersiva, que la gente pudiera vivir una experiencia y ahí incorporamos la video proyección y el mapping. Entonces hay un salto mayor a tratar de transmitir con mayor realismo a las sensaciones que estábamos viviendo en ese momento y ahí entró el mapping.

Ya llevan más de 10 años experimentando la unión entre el arte, la tecnología y los procesos creativos en la calle, galerías y espacios públicos. Bajo su visión, ¿cómo ha ido cambiando el arte y su unión con la tecnología en la última década en el país?

Paula: Yo desde mi parte, encuentro que cuando nosotros partimos era mucho más difícil poder abrirnos a un espacio de arte más convencional porque obviamente que hace 10 años atrás, la tecnología no era lo que es ahora. Creo que al principio la gente mayor, porque la gente joven siempre está abierta y los más chicos sobre todo, estaban más cerrados a ver nuestro trabajo de una manera más profesional. Esto porque quizás estaba asociado a algo más fiestero, por la iluminación. Pero con el tiempo empezamos a hacer varios viajes porque sentíamos que acá era muy novedoso lo que nosotros hacíamos. Necesitábamos ver afuera y las grandes ciudades. Queríamos ver si nuestro arte realmente era innovador. Partimos a New York, a Berlín, estuvimos en Lima. En Europa, en distintas partes del mundo y nos dimos cuenta que siempre llamaba la atención y que siempre era algo distinto. Nos sentimos bien acogidos en las grandes ciudades que siempre están abiertos a este arte contemporáneo. Acá a veces sentíamos que no era tan abierto. Al volver si se abrían más puertas. Ahora sentimos que pese que no hemos encontrado a nadie que haga lo mismo que nosotros igual utilizamos herramientas que se utilizan hace tiempo. Nosotros no creamos la pólvora pero si creamos algo diferente. Ahora estamos con el mapping y con un proceso interactivo con sonidos, etc.

Ignacio: Hemos ido buscado una experiencia inmersiva. Hemos ido incorporando más la experiencia. La idea es que llegues a la obra y esta te absorba. Más allá si te gusta o no. Que la gente la pueda vivir. Con respecto a Chile fue difícil esa barrera que esto no era arte, sino instalación, pero ahora esta todo tan globalizado que las tendencias van trayendo nuevas herramientas. Siento que cuando hemos buscado nuevos medios, hemos llegado a los lugares o se hacen populares acá. Es cómo lo que está pasando con la onda del mapping y las visuales. Todo está pasando con eso y hay mucho talento. El arte chileno está a la par con lo que sucede en el mundo, es un movimiento global, ya no estamos a un lado.

Qué intervenciones a espacios públicos son las que más les han marcado y porqué?

Paula: Yo creo que la más nos marco fue la del PumaLab. Estábamos previos a irnos tres meses a New York y este fue un último evento. Fue hermoso.
-Este se llamaba Naturaleza Cósmica 3D
Era una obra gigante. La diseñé yo y la producimos con Arte Usable. Que es Nacho y Cata Villar, que es nuestra partner. Ella confeccionó toda la obra con costura. Con textiles. Era una obra de 10 metros x 3 y medio. Representamos todo Chile con lo más significativo, con los íconos. Esa vitrina nunca se ha aprovechado. Hay un diálogo entre el espectador y la vitrina. Nosotros queríamos provocar un diálogo y se provocó ese diálogo. Mucha gente nos escribía, nos pedían los lentes 3D para ver la obra. Quedamos contentos.

Una de las temáticas que ustedes trabajan es el patrimonio natural de Chile y el continente americano. Buscan generar conciencia en el espectador sobre el medio ambiente. ¿Qué proyectos han realizado con esta idea?

Paula: Nosotros partimos trabajando el patrimonio creo que el 2010. Por una cosa más orgánica, teníamos un amor por nuestro paisaje, por nuestro territorio. Mi familia siempre ha viajado a lugares vírgenes de Chile y yo desde chica me he criado así. Nacho también por su parte. Tendíamos a ir a lugares muy lejanos. No teníamos las típicas vacaciones en el balneario sino que íbamos lejos. Así con el tiempo partimos con la idea de hacer nuestras propias fotografías y resulta que nuestras fotos eran de los viajes, entonces esta idea nació de lo orgánico. Luego, empezamos a ver la fortaleza del tema y cada vez nos hacía más sentido. Íbamos a parques nacionales y retratábamos los lugares. El patrimonio natural se está destruyendo y esta es nuestra forma, nuestra revolución de una manera amorosa y cariñosa de decirle a la gente que sí existe. Porque en las noticias te dicen que ya no existe, que todo se destruye, que todo se quema, mentira. Nosotros decimos que todo esto existe, que esto queremos preservar y tratamos de compartir nuestra experiencia y por eso las obras cada vez se vuelven más experienciales. La idea es que cada vez la gente pueda percibir lo que nosotros percibimos en esos lugares.

Ignacio: Nos a tocado varias veces ir a lugares que están bajo amenaza de alguna hidroeléctrica, etc.

Ustedes trabajaron la fotografía en estos lugares

Paula: Nosotros vamos con la cámara registrando todas las fotos. Partimos sacando nuestras fotos, para tener certeza de lo que estábamos mostrando. Estuvo la obra Balance, del lago azul, un lugar que nosotros vamos hace 15 años. Después tuvimos el ritual del fuego, con el volcán Llaima y así. También todas las obras de Nacho están inspiradas en lugares de Chile. El desierto, San Pedro de Atacama. Por ejemplo Gema Ancestral, tiene que ver con los minerales que se están sacando. Nuestra forma es amable, nosotros no queremos mostrar la destrucción, sino mostrar las cosas hermosas por cuidar. La obra de Ignacio muestra la intervención del hombre en la naturaleza. También esta Cosecha, que es una serie que trabaja la fertilidad, la abundancia.

Ustedes crearon el 2009 el “Festival de Arte Usable” ¿Podrían contarnos de que trata este festival y cómo fue la experiencia de su organización?

Ignacio: Este festival partió por el mundo del arte utilitario que descubrimos y de cierta manera quisimos hacer como una especie de catastro y juntarnos con distintas personas que estaban haciendo algo parecido a nosotros e invitamos a tres curadores a hacer tres exposiciones en tres lugares distintos de Santiago. Queríamos abarcar distintas localidades. La idea era hablar de arte y medio ambiente, la Cae Lazo estaba a cargo de esa exposición. Estaban No más clavos, a cargo de una exposición que tenía que ver con arte y educación en niños y había otra que curó Paula, que tenía que ver con todo esto de objetos, arte y utilidad.

También tienen un colectivo creado el 2012 llamado “Arte Usable Lab” y una residencia de arte. ¿En qué consiste este colectivo? y ¿Cómo funciona la residencia de arte en Santiago?

Ignacio: A partir de la experiencia del festival nosotros pensamos en hacer algo a mayor escala. Pensamos que sería super valioso armar y juntar a un grupo bien amplio de creativos. La idea era armar un colectivo en donde se potenciaran todas las áreas involucradas. Por ejemplo que hubieran artistas que se toparan en el mismo medio para que se generara un cruce de trabajo y a partir de eso poder realizar proyectos más grandes. Este colectivo lo hicimos en Avda. Merced, frente al parque forestal. Colaboramos entre todas las áreas, llegaban gente con proyectos, intentábamos enlazarnos entre nosotros. Fue una experiencia super enriquecedora.

Hay un documental con cinco artistas chilenos. ¿De qué trata este documental?
Ignacio: Para el festival hicimos este documental. Una de las cosas que nos gusta mucho hacer, además de hacer cosas colectivas, es transmitir a la gente el proceso creativo. Esto es algo que hemos hecho en festivales, sobre todo de arte urbano. Ver que las cosas son hechas a mano. Para que la gente entienda cómo están hechas y así sentimos que la obra se valora más. A partir de eso, en el festival grabamos junto a Jaime Torez, grabamos a cinco artistas en sus procesos creativos para las obras que se presentaron para la exposición Artefacto 22.

Han realizado talleres educativos de distintas temáticas, por ejemplo de flora y fauna. ¿De qué tratan estos talleres?

Ignacio: Como te decía nos encanta el tema del proceso creativo. Hacemos talleres de educación privados como también en colegios y fundaciones. A partir de la idea de compartir los procesos empezamos a hacer clases. Bueno, la Paula anteriormente hacía clases de serigrafía. Yo me he ido involucrando también los últimos años. Hacemos el taller juntos ahora y hemos ido incorporando distintos medios. Desarrollo digital para serigrafía y además de enseñar la técnica, creamos experiencias educativas de arte. Las hacemos mayormente a niños. A través de la técnica de serigrafía les enseñamos sobre flora y fauna chilena y sobre patrimonio natural.

Paula: Estos talleres quieren transmitir lo que nosotros vamos aprendiendo. Nosotros no estudiamos pedagogía. Pero empezamos a ver esta forma. Con Fundación Mustakis empezaron a llegar los niños e hicimos un taller de flora y fauna chilena 3D. La fundación nos llamó para un laboratorio de educación libre que tienen ellos. Ellos consideraron que nuestro trabajo y taller era un aporte para la educación. La idea es enseñar un contenido de una manera muy entretenida. Ellos creen en este tipo de educación tanto como nosotros. Con los talleres de adultos creo que cada vez el taller se perfecciona más. Hacemos teorías del color, imágenes en photoshop, distintas técnicas de estampar. Creemos que los talleres se llenan porque la gente ve algo detrás.

¿Este año tienen algún proyecto que quieran comentar?

Paula: Este año se viene bueno. Cumplimos 10 años. Todo está un poco cerrándose pero igual los nombraré sin las personas, pero nos pueden seguir en nuestras redes. Queremos hacer una exposición que tiene ver con estar en un bosque, tiene que ver con la inmersión, sonidos. Es en la ciudad y para lograr irnos a los bosques ancestrales chilenos, del sur por sobre todo y está apunto de saberse el lugar. Será a fin de año. También estamos cerrando con Lollapalooza con la obra Naturaleza Cósmica 3D para que más gente la pueda ver. Estamos preparando con el Nacho la primera Bienal de Serigrafía en Chile y estamos preparándola para finales del 2020. Muchos talleres también. También partimos con la primera residencia con el Mauro. Un muralista.

Una excelente noticia es que este año volverá a tomar vida “Naturaleza Cósmica 3D” en Lollapalooza Chile 2019 justo para comenzar a celebrar estos 10 años de carrera junto a Ignacio. (“Naturaleza Cósmica 3D” se presentó en el GAM @centrogam el 2015 y luego en NYC el 2017).

¿Cómo funciona esta residencia?

Paula: Invitamos a artistas que vivan una experiencia de máximo una semana con el objetivo que ellos puedan generar su obra en base a la serigrafía. Les pasamos el lugar y ellos pueden venir a trabajar acá. La idea es luego traer gente de afuera y de regiones. Queremos generar comunidad de serigrafistas.

Por último, ¿Algún mensaje, consejo, idea que quieran expresar para el artista chileno que se encuentra trabajando en estos momentos?

Paula: Yo digo perseverancia, amor, constancia por lo que uno hace. Encontrar eso que le apasiona, eso que uno ama y que vino a hacer y perseverar en eso. Porque a veces el camino se pone cuesta arriba pero la perseverancia es lo que finalmente hace que te empiecen a ubicar por eso. Perseverancia y pasión.

Ignacio: Yo además de perseverancia, que es fundamental porque esta carrera es súper difícil y finalmente empieza a dar frutos con los años de trabajo. Creo que también es súper importante ser profesional. No solo cuando uno presenta proyectos, sino que cumplir plazos. También pasa que en el mundo de la creatividad es todo medio despelotado. Tanto como clientes, como los mismos artistas, como que hay un poco más de permisos en cuanto a plazos, pagos y ese tipos de cosas. Cumplir y cumplir las fechas te arma un nombre confiable, además de la preservar.

LINKS ARTE USABLE:
www.arteusable.cl / Instagram / Paula Garrido Miranda / Ignacio Pérez Kenchington

Fotos x @godoyphotoshoot

Arte Usable en WalkingStgo:
Inauguración expo: Naturaleza Cósmica 3D de Paula Garrido en PUMA LAB 2015

100 en 1 día Santiago 2015, Festival de Intervenciones Urbanas Ciudadanas en el barrio Lastarria y Bellas Artes

Paula Garrido Miranda: Arte en tela y a color en Kidzapalooza 2016

Fotos Inauguración exposición BALANCE en la Galería CIMA de Santiago 2017

Publicado el 27.03.2019
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